Entrevista com Dona Zefinha

Nossa entrevista nessa edição é com a Banda Dona Zefinha, comporta por Orlângelo Leal (voz, marimbal, rabeca, viola e violão), Vanildo Franco (Pífanos, vocal e percussão), Ângelo Márcio (Percussão, vocal e sax), Maninho (bateria), Paulo Orlando (percussão, performance e vocal), Joelia Braga (Percussão, vocal e figurinos) e Gerson Samuel (Trompete, flauta e violino), só quem responde em nome do grupo é Orlângelo Leal, que também é ator, dramaturgo, diretor teatral, compositor e educador. Orlângelo é artista cearense desde 1992 e pesquisador da cultura popular brasileira. Com vocês, a palavra: Orlângelo Leal!


Guerrilha Aberta: Quem é Dona Zefinha? Como a banda se formou, desde o início dos anos 90, na cidade de Itapipoca, no Ceará?
Orlângelo Leal: Surgimos em 1993 em Itapipoca, Ceará, como um grupo de teatro cujo nome era “Trupe Metamorfose”. Passamos a pesquisar teatro de rua, palhaços e cultura popular a partir do repertório de espetáculos que íamos montando ex.; Em 1996 “O Auto da Camisinha”, teatro de rua, Em 1997, “Três Faniquitos sem Concerto”, espetáculo de clown, em 1998 “O Auto do julgamento” também rua.
O que tinha em comum entre os espetáculos era que ao mesmo tempo estávamos pesquisando e compondo a trilha sonora, estávamos também aprendendo a tocar instrumentos de percussão, pandeiro, zabumba, rabeca, marimbal, pífano, viola etc.. Tudo com o intuito de colocar em cena e tornar mais rico nosso trabalho cênico.
Nesta época ainda não tínhamos noção que poderíamos virar uma banda. Esta idéia só foi acontecer em 2000 quando participei da montagem de “Morte e vida Severina” com o grupo Expressões Humanas, onde atuei e compus a trilha sonora do espetáculo.
No festival de Guaramiranga de 2000 o “Morte e vida Severina” foi super premiado. Ganhei uma rabeca do Nelson da Rabeca por Catarina D’ Labouré, fiquei encantado com o presente. Eu fazia o colégio de direção teatral e nos reuníamos para beber e cantar as canções dos espetáculos. Acho que foi por ai o embrião da banda.
Lançamos em 2000 o espetáculo “Cantos e Causos” um apanhado de músicas cênicas e performances oriundas da pesquisa teatral. Assim nasce Dona Zefinha.
O “Cantos e Causos” foi gravado ao vivo no Theatro José de Alencar em 2001, junto com o disco lançamos um clip “Xilogravando”, com direção de Renata Gomes. O clip virou uma faixa no disco e fez muito sucesso por aqui, participamos até de festival de cinema. Muita gente ainda procura o disco, pena que só foram feitas 1000 cópias.

GA: Vocês são uma grupo musical, que mesclam diferentes linguagens artísticas, tais como a dança e o teatro. Tendo até se apresentando no último Anjos do Picadeiro - Festival Internacional de Palhaços. Como vocês se auto-definem, nesse caldeirão de artes?
Orlângelo: Como uma companhia de teatro de rua e banda de música brasileira, autoral e independente, que mistura criatividade e diversão a partir de elementos sonoros, cênicos e coreográficos, invocando os arquétipos ancestrais das manifestações da cultura popular brasileira. Temos como elementos inspiradores: a música contemporânea urbana, a música tradicional rural, desde as origens “ibero-afro-ameríndia” da musicalidade brasileira a sua relação com outras culturas.


GA: Escutando o seu último Cd: "Zefinha foi a feira", parece uma verdadeira viagem pelos ritmos nordestinos e pela rica cultura Brasileira. Como foi o processo de construção desse além, tendo todas as músicas como autorais?
Orlângelo: Desde a gravação do “Cantos e Causos” ao “Zefinha vai a feria” foram seis anos. Tempo suficiente para amadurecimento do grupo, entrada e saída de novos membros, viagens, shows, troca de experiências com outros grupos, ensaios e muita criação. Com o show “Cantos e Causos” nos apresentamos em Buffet, Praça José de Alencar, centros culturais, vários estados do Brasil, Estados Unidos, Coréia e Alemanha. A cada show testávamos canções novas e experimentos sonoros elaborados nos quartos de hotéis.
Com o “Zefinha vai a Feira” Sabíamos com mais clareza o que agora pretendíamos fazer. Não somos uma banda de rock, somos um grupo de música brasileira contemporânea e a pluralidade sonora do universo Brasileiro é imensa, isso é muito bacana e nos deu pano de fundo para uma criação livre de rótulos, apesar de que o mercado queira nos enquadrar no regional por não utilizarmos guitarra nem batida eletrônica.
O que fazemos é um som orgânico inspirado no mais profundo Brasil, trazendo elementos da atitude roqueira e o tribalismo do eletrônico. Nossas inspirações estão nos mestres dos folguedos, nas ladainhas, nos cortejos, gente que não está na mídia e que não são reconhecidos como artistas apenas como folclore a exemplo de Biliu de Campina cantador de embolada que é tão rapper quanto MV Bill, ou as toadas de cavalo marinho executadas pelas rabecas Pernambucanas que considero tão psicodélicas quanto as guitarras de Jimmy Hendrix.
Acho que o Brasil precisa se reconhecer melhor. Vivemos desde a colonização um processo de crise existencial de negação de identidade. Vivemos os sonhos, os desejos, a língua, o comportamento e a cultura do dominador. Precisamos identificar a cada instante quem é o dominador e para quem estamos a serviço. Tudo é muito volátil e a velocidade em que vivemos nos torna prisioneiros cegos do cotidiano.
O “Zefinha vai a feira” foi construído dentro do conceito de contemporaneidade e tradição com letras instigantes sobre conflitos urbanos sociais, tecnologia, globalização e consumismo exagerado. Num ajustado de baião, cantoria de viola, toadas, marchas, batuques de candomblé, música caipira e samba. Mostrando que o Brasil é brega o por sermos brasileiros somos rock, somos funk, somos universais.


GA: A cultura nordestina vem revelando grandes talentos culturais, no universo da música, do teatro, da literatura. Na opinião de vocês, o que faz a região nordeste ser um celeiro de talentos culturais?
Orlângelo: O nordeste é um espaço de contradições sociais. Espaço de lutas populares, guerrilhas e sofrimento. Também é um ambiente onde se cultua a religiosidade, fé e alegria. O sagrado e o profano se fundem nas festas, no dia-a-dia, no trabalho, na família e na comunidade. No Cariri, o homem que trabalha no campo é o mesmo que reza e dança no reizado de congos com saia vermelha. Existe aí o espaço da imaginação e da brincadeira. Ambiente da fertilidade do fantástico, do sons, do movimento da liberdade de criação pelo prazer de brincar.
Somos assim nordestinos, herdeiros da bravura indígena e da força do trabalho negro. Somos caboclos, mamelucos e cafuzos. Construímos Brasília, a transamazônica e o sul maravilha. E por onde as andanças cheguem vai junto a culinária, a linguagem popular, as canções de trabalho e a capacidade de recriação e adaptação ao novo. Luiz Gonzaga considerado o maior representante da cultura nordestina é o pioneiro que apontou para o Brasil um mercado musical em ebulição, e só foi capaz porque viveu e aprendeu com os pais e com seu povo os costumes e as tradições que o nordeste mantém ainda hoje, sua poesia e sonoridade são orgânicas e viscerais.


GA: Vocês estão sempre em viagem pelo Brasil e qual o panorama das artes que vocês poderiam dizer que o Brasil está?
Orlângelo: No quesito criação acho que vai de vento em polpa. A cada dia me surpreendo com a qualidade das produções, experimentos sejam cênicos ou sonoros que os grupos de teatro, dança e música realizam. Tem muita gente boa nos quatro cantos do Brasil produzindo o melhor da arte Brasileira.
Agora no que diz respeito a produção o negócio pega. Vivemos um momento muito ruim para divulgação na mídia televisiva. Existe um monopólio muito grande impedindo que a população tenha acesso a diversidade. Falta espaço na mídia para construção do pensamento, debates sobre estética, sobre produção entre outros elementos que compõem o fazer artístico. Imagino que o povo que mora no Acre deva fazer uma música interessante que os Cearenses não conhecem. Da mesma forma acho que ainda nosso trabalho não tocou naquela região. Espero que com o advento da TV digital este quadro possa mudar e que a pessoas tenham acesso a diversidade e possam escolher uma programação mais livre.
Ainda sobre produção no Brasil vou me referir ao Ceará, como exemplo que conheço. Manter um grupo artístico no mercado Cearense é tarefa árdua. É muito caro ficar em cartaz, as salas de teatro continuam vazias. As rádios não tocam independentes se não pagam o jaguar. Os cachês dos centros culturais estão defasados (muito baratos). Faltam mais eventos culturais, faltam mais escolas de formação em artes no Ceará. Cabe aos grupos muita criatividade e jogo de cintura para permanecerem vivos.
Resta ao poder público, empresas e entidades a criação de políticas culturais de sustentabilidade. Os editais são um bom começo, facilitam a circulação de alguns produtos culturais em outras praças. Estimulam a produção de Cd´s., espetáculos, pesquisa, mas não pode permanecer apenas neste modelo ainda falta estender os braços, criar tentáculos, projetos e mais projetos menos burocráticos e mais dinâmicos.


GA: Na sua opinião, o que é ser artista no Brasil?
Orlângelo: Quando dou aulas de teatro para iniciantes, eu sempre digo que o artista brasileiro deve dedicar 8 horas de trabalho por dia. 4 para os ensaios e estudos e 4 para produção do trabalho.
Ser artista é ter um trabalho autônomo com identidade e personalidade e saber projetar este produto nos quatro cantos do mundo. Festivais, eventos, editais, temporadas, gravadora, não importa o que for, como diria meu professor de teatro Clóvis Levi: “tem que saber dominar os meios”.

Para mais informações e ouvir músicas,
ACESSE: www.donazefinha.com.br

Download: Hi-Brasil disponibiliza gratuitamente álbum: "Let´s do The Samba"

Lançado pela licença Creative Commons, um coletivo de artistas, que se auto-intitulado, como: HI-BRAZIL disponibilizaram gratuitamente na internet o álbum de estréia: "Let´s do The Samba", onde são apresentadas 13 faixas de música eletrônica, que segundo o grupo escolhem o samba como o fio condutor de um misterioso enredo que cerca a obra, reunindo desde o canto tradicional irlandês ao baião, o Quarup indígena aos sons de máquinas industriais, o banjo norte-americano à tabla indiana.

HI-BRAZIL explica que o objetivo desse trabalho é celebrar a transformação da consciência no mundo globalizado, quando finalmente se percebe que somos uma só tribo e para quem pensa que isso está apenas no planeta Terra, está enganado. Eles vão mais longe ainda, quando afirmam: "discos-voadores, alienígenas e abduções também estão presentes no trabalho, como na explícita e divertida Putz!", que pode ser assista abaixo:

Baixe o disco, ouça as músicas e assista os videoclipes no site:
http://homepage.mac.com/hibrazil
http://youtube.com/hibrazil

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O Creative Commons Brasil disponibiliza opções flexíveis de licenças que garantem proteção e liberdade para artistas e autores. Partindo da idéia de "todos os direitos reservados" do direito autoral tradicional nós a recriamos para transformá-la em "alguns direitos reservados". Para saber mais, assista os videos [1] e [2].

Entrevista com Cia do Pequeno Teatro de Retalho

Primeira entrevista desta quinta edição, privilegiando os casais palhaços está a Companhia do Pequeno Teatro de Retalhos, composta por Henrique Escobar e Mariana Fausto. A Cia começa em 2002, em um intercâmbio de seis meses com mestra de Teatro de Animação (objetos, bonecos, mascaras), Magda Modesto. E daqui, começamos nossa entrevista:

Guerrilha Aberta: O que é o Pequeno Teatro de Retalhos? Vocês começaram em um intercâmbio em 2002, com Magda Modesto?
Retalhos: Sim, a partir daí começamos a investir bastante no Teatro de Bonecos - somos apaixonados pelo teatro de luvas, guignol tradicional e vertentes diferentes do clássico Punch and Judy, que no Brasil possui semelhanças no mamulengo do nordeste. Neste mesmo ano, 2002, começamos a investigar a linguagem do palhaço clássico também, que era nossa paixão. Somos da cidade grande e não conhecíamos palhaços de folias e reisados, e pouca coisa dos palhaços de circo tradicionais brasileiros. Nossos videos mostravam sempre o Grock, (norte-americanos e europeus). Tinhamos além disto um enorme interesse pelo trabalho realizado por palhaços em hospitais e toda a maneira de modificar e potencializar as relações inter-pessoais no ambiente hospitalar. o Charlie Rivel, o Popov , Joe Jackson Jr, George Carl, Chaplin, Keaton, Emmet KellyHoje em dia, o Pequeno Teatro de Retalhos possui uma sede no Meyer, onde realizamos pesquisas principalmente na arte do ator. Trocamos muito com grupos brasileiros e estrangeiros tentando não “cristalizar”. Nesta área é importante buscar sempre aprender coisas novas, aprofundar, lapidar o trabalho diariamente.


GA: Há muito tempo que conheço vocês, sobre o trabalho de palhaços que vocês realizam. Fiquei sabendo que vocês estão rodando muitas praças também no Rio de Janeiro. Como tem sido esse trabalho?
Retalhos: O trabalho na rua vem sendo desenvolvido ao longo de quase cinco anos. Há muito tempo que vamos para Pernambuco no verão de carro, até que um dia “deu o estalo” de também realizarmos apresentações. No inicio achávamos que ia ser moleza, mas o chapéu vinha minguadinho, mas com o tempo fomos percebendo muitas especificidades deste métier. Trocamos muito com mestres, fundamentais para nossa formação neste estilo de teatro, posso citar: o Chaco, o Léris, o Leo Bassi,o Tomate, a Makku, o Loco Brusca, o Libar,o Pepe, o Puccetti, fora outros tantos mestres amigos, aqueles da trocação de idéia na mesa de bar, seria impossível citar todos. Gente muito generosa em passar detalhes que fizeram toda a diferença!

GA: Como começou essa história de ser palhaço para vocês dois?
Retalhos: Fizemos um curso com o Luis Igreja da companhia do Gesto, em 2002 e fomos chamados para trabalhar na peça: A Menor Máscara do Mundo, dirigida por ele. Neste mesmo ano, fizemos um trabalho com o Simi do LUME e ficamos encantados com a qualidade e minúcia das pesquisas realizadas em Campinas. Depois fizemos vestibular para a Unirio e começamos em 2003 a realizar o treinamento junto a Enfermaria do Riso, coordenada pela Ana Achcar. Já em 2004 estavamos trabalhando no Hospital Gafree Guinle e também conhecemos o pessoal dos Doutores da Alegria no FILO, numa oficina com a Hillary Chaplain, do Clown Care Unit de N.Y. Penso que muito do que sabemos hoje, nossa filosofia com o trabalho e nossa técnica foi passada pelo pessoal do LUME, bem como de sues mestres. Os Colombaioni, a Sue Morrison e mesmo a experiência de Butoh que tivemos com o Tadashi foram fundamentais, além do querido Ricardo, nosso amigo e mestre, na concretização do que realizamos hoje. Em Dezembro, no Anjos do Picadeiro de Salvador pudemos conhecer melhor a Gardi Hutter, que para mim possui uma técnica e um estilo únicos.

GA: No meio dos palhaços, há muitas familias e casais que se destinam a trabalhar juntos. Como é essa relação para vocês dois? Vocês se dão bem ou levam a relação de casal para discutir, enquanto estão no picadeiro?
Retalhos: Realmente somos apaixonados pelo que fazemos e conversamos muito sobre nosso oficio, nosso artesanato. Pensamos muito no universo teatral, somos tragados constantemente por ele e por seus pensadores. Gostamos de trabalhar diariamente o detalhe, o minimalismo, bem como o grotesco. A cena exige muita parceria, presença, abertura, disponibilidade. O que é maravilhoso quando realizado com quem se ama. Tem época que estamos em projetos distintos e ficamos bastante tempo sem atuarmos juntos. O que não significa que não estamos mais num mesmo barco. Cada um possui características bem distintas do outro, o que ajuda na hora dos contrastes sempre bem vindos à cena cômica.

GA: Na atualidade, o que vocês poderiam dizer sobre trabalhar na rua? Já passaram algum sufoco? Ou é sempre tranquilo?
Retalhos: O trabalho na rua é bastante árduo. É necessário ter energia e disposição só para começar. O ego não pode inflar, pois a rua puxa o tapete de qualquer bom palhaço e é preciso muita técnica para se fazer dinheiro! Muito tempo, muito suor, muita humildade. O lugar do palhaço de rua é o lugar da humildade, por onde se vê a humanidade e a filosofia de quem faz, e também da adrenalina, pois além da exposição, o cachê não está certo. Além disso ainda tem a polícia, que de vez em quando cisma em vetar a apresentação. Uma boa convocatória, o número do chapéu , a filosofia final e os anos de apresentação determinam o sucesso de uma função callerera.

GA: Para finalizar, o que é ser artista, hoje, no Brasil?
Retalhos: Pensamos que ser artista é dialogar com a tradição de sua linguagem. Passar pelo clássico, pelo moderno e ver o que se faz na contemporaneidade, de modo a encontrar um estilo próprio. Muitos artistas começam bem parecidos, mas é importante descobrir diferenças nas maneiras de executar números, de criar lógicas, de sonhar espetáculos. O teatro é a arte da presença, um momento onde a platéia não só assiste como num filme, mas também participa, aplaude ou vaia. Um bom palhaço vê o que ninguém está vendo e tira graça disto ou lágrimas. Tanto faz se num hospital, CTI, teatro, circo, praça ou até mesmo numa festinha de aniversário. Pensamos nas possibilidades que cada espaço pode trazer, como dialogar com ele e com as pessoas que estejam lá, de modo a tentar puxar o tapete da forma cotidiana e hierarquizada de ver o mundo.

Entrevista com o mímico Jiddu Saldanha

Nosso primeiro entrevistado dessa edição é o professor de mímica Jiddu Saldanha, que como se auto-define é um artista que quer e luta por um mundo melhor. "Idealista e avesso a joguinhos políticos", como ele próprio se auto-define. Prefere muitas vezes ficar marginalizado, mas diz: "Quem me conhece sabe que sou fiel, amigo e cúmplice para todas as horas!".

Jiddu é mímico há pelo menos 20 anos, roda o Brasil com seus espetáculos desde 1988 e atualmente além de se apresentar, realiza oficinas de mímica. Entre os dias 05 e 09 de maio estará promovendo uma oficina de mímica, no espaço Cultural Mosaico Cultural, na Lapa. O que poucos sabem que ele começou a trabalhar como vendedor de picolé.

Guerrilha Aberta: De vendedor de picolé até professor de mímica. Como foi essa percurso? Estamos falando de quantos anos?

Jiddu Saldanha: Eu tenho 43 anos de idade e vendia picolé numa cidade fria: Curitiba, minha terra natal. Desde criança sempre fui artista no jeito de lidar com a realidade, mas depois fui fazer faculdade de teatro e caí no mundo onde já são 20 anos de carreira, com altos e baixos, mas nem pense em desistir!

GA: Você cita Luiz de Lima e Ricardo Bandeira como mestres que deram origem a mímica no Brasil, ambos já falecidos e esqueçidos. Durante o último festival de mímicos, realizado no último final de semana de março, no Rio. Você disse que a arte da mímica renasce das próprias cinzas. Poderia explicar melhor isso?
Jiddu: A mímica é uma arte muito antiga, muita gente não entende isso. Se por um lado é importante adquirir novos conhecimentos e quebrar paradigmas é também importante manter um vínculo com o passado. Nós, que optamos por fazer pantomima, somos marginalizados por alguns grupos que tentam "elitizar" o conhecimento, mas no final das contas o que sobrevive e fica é a história humana, o respeito aos antepassados e a coragem de querer estar na paisagem sem tirar o espaço de ninguém.

Uma boa parte dos mímicos brasileiros sequer conhecem Luis de Lima e Ricardo Bandeira, mas sabem tudo sobre os ícones da mímica francesa e inglesa. A falta de sentido histórico faz com que na mímica, como em todos os setores da sociedade, o brasileiro se comporte como um "ser domesticado" pelo pensamento cartesiano europeu. Táticamente, somos abertos a tudo o que é novo e também procuramos inovar em nossa arte, mas estratégicamente temos que combater a submissão do nosso sistema! Porquê ela tem um sentido simbólico de "libertação".

No último encontro de mímicos, organizados por peruanos que vieram ao Brasil especialmente para isso, percebemos o sentido de nossa marginalidade, mas compreendemos amor de nosso público, a pantomima vive: OS MÍMICOS VIVEM!


GA: Hoje, você não se considera apenas um mímico, mas um professor de mímica, não é? Como tem sido a experiência de suas oficinas? Alguém que já tenha feito se tornou mímico profissionalmente? Por falar nisso, como funciona o mercado dos mímicos no Brasil?
Jiddu: Gosto de dar aula porquê percebi que a mímica no Brasil está sendo deturpada por uma pequena "elite" que despreza a população e o gosto popular. Minha oficina é cheia de informações, sem preconceitos. Mostro tudo! O aluno aprende e se reapaixona por mímica, quebra os tabus e passa a valorizar mais o mímicos brasileiros.

Também escolhi ser professor para mudar o meu foco. Enquanto muitos mímicos foram buscar a técnica e pesquisar a estética, eu me voltei para o cuidado com nossa "classe". Estou sempre dialogando com todos, buscando um relacionamento sem nenhum tipo de julgamento. Com isso, tenho certeza que fiz uma ponte e contribuí de forma muito singela, de uma aproximação entre o público, o artista e os produtores culturais, além das instituições.

Também tenho uma missão, como mímico, de jamais deixar que se perca a memória de Luis de Lima e Ricardo Bandeira. Se esquecermos da luta desses dois artistas, estaremos fadados ao esquecimento também.



GA: Você diz que a mímica não é a arte do silêncio, mas a arte do gesto e que alguns mímicos até falam. Como isso funciona, na prática? Poderia nos dar alguns exemplos de mímicos que falam e como isso se aplica em cena?
Jiddu: Todos os mímicos falam com excessão daqueles que são surdo-mudos. Falar para um mímico é essencial, porque o silêncio é bonito esteticamente mas não explica tudo. Porém, existem mímicos que amam o silêncio e se sentem bem fazendo espetáculos silenciosos. Dois exemplos disso são o brasileiro Josué Soares e o francês Marcel Marceau. Eu conheci dos dois e confesso que posso passar horas ao lado deles, ouvindo seu silêncio ou suas falas, não importa porque são coerentes em suas escolhas.

A idéia de que o mímico não fala gera mal entendidos e cria uma distãncia entre os mímicos e outros artistas. Acho que a idéia de que a mímica seja "A Arte do Silêncio" foi um grande equívoco. Para mim, a mímica é a arte do "Gesto" mas que pode funcionar muito bem no silêncio. Isso acontece também com a pintura e pasmem até com a música. Em um certo sentido é a arte do silêncio porquê necessita desse intervalo para encontrar seu "som essencial"!


GA: Você diz que a arte da mímica nao é bem recebida pela mídia Brasileira e cita o mimico Santiago Galassi que diz: "A mímica jamais será moda no Brasil". Na sua opnião, há alguma explicação para isso?
Jiddu: Acho que é puro preconceito, se você olhar a maior parte das propostas para enquadramento de projetos culturais no brasil, você vai ver que a mímica raramente é citada. Quando você manda o projeto, ouve coisas como: "a gente quer um artista que fale", ou então olham o currículo para saber se você estudou nas escolas européias. A conclusão que cheguei é que uma boa parte dos técnicos de cultura no Brasil ignoram completamente nossa arte e acabam disfarçando sua ignorância com um certo tom arrogante, desprezando o trabalho de um artista como, por exemplo, meu mestre Everton Ferre que até 2002 havia atingido 8 milhões de espectadores em duas décadas de carreira. Mesmo tendo esses números a nosso favor, não somos levados a sério, mas seriedade no Brasil é sempre um termo discutível, não é?

Acho que, no fundo, nós vivemos de doações de nosso público, principalmente os mímicos populares que não fazem parte de elite nenhuma mas estão na paisagem!


GA: Para finalizar, na sua opnião, o que é ser artista, hoje?
Jiddu: Acho que temos de continuar combatendo a barbárie, antes os sistemas arracavam sua cabeça, quando você o contestava, hoje cortam sua luz, seu telefone e deixam sem comunicação, sem cuidado médico e sem contato com o "mundo produtivo". Nós, artistas, temos de continuar sendo uma referência de luta para os desvalidos, aqueles que nada possuem. Temos que de forma pacifica, mostrar que não concordamos com a mentira que hoje impera no mundo. Por outro lado, temos que ser amorosos, companheiros e fazer coisas juntos porque isso só melhora o mundo. Todos têm o dever de contribuir para melhorar o mundo e, nós artistas, estamos dentro desse projeto. Para mim o importante é saber que estou contribuindo para melhorar o MUNDO.

SERVIÇO:
OFICINA DE MÍMICA COM JIDDU SALDANHA
DATA: De 05 a 09 de maio, das 13 às 17h
LOCAL: Mosaico Cultural (Rua Joaquim Silva, 56/ 6º andar – Lapa)
INVESTIMENTO: R$ 250,00 (duzentos e cinqüenta reais) - Podendo ser parcelado em duas vezes: 50% no ato da inscrição e 50% em cheque pré-datado para o dia 05 de maio.
VAGAS: somente 20 alunos
Informações: 2537-0056/ 9713-6530 - ritaporto@terra.com.br

As fotos desta entrevista são de autoria de Ernani Bezerra

Entrevista com o Grupo Sátira In Concert

Por fim, como disse na edição anterior, que seria algo expecional sempre ter três entrevistas por edição. Estou tentando manter esse padrão de qualidade, até porquê bons artistas são o que não falta nessa capital cultural do Rio de Janeiro. Essa terceira entrevista é com Her Agaptio, "moreno alto, de 1,97m de pura sedução e falta de noção", como ele próprio se auto-define. Her é produtor, músico e humorista, junto com Sérgio Stern, Marcio Sanchez e Andrea Spada formam o grupo Sátira In Concert:

Guerrilha Aberta: Desde quando e como se formou o Grupo Sátira In Concert e quais os trabalhos já realizados pelo grupo?

Her: O Sátira in Concert se formou a partir de 2003. Logo depois que mudei para o Rio. Já havia feito um trabalho de humor com Sergio Stern e Luciano Correa (que infelizmente não mais se encontra entre nós) chamado Orquestra.Zip. Então ao reunir a velha turma na mesma cidade tivemos idéia de fazer um novo grupo de humor. Convidamos o Marcio Sanches, que na época morava em São Paulo, mas que se amarrou tanto no trabalho, que acabou mudando para o Rio. A partir de então começamos a escrever o espetáculo, que levou uns 9 meses e fomos nos apresentando assim sem pressa. Comendo pelas beiradas, enquanto conciliamos nossos shows a nossos empregos.


GA: Quais as possibilidade de som para se fazer um violino? Como foi o processo de criação do número de Renan Calheiros, por exemplo?
Her: O violino, ao contrário do que possa parecer é um instrumento muito eclético que você não encontra apenas em orquestra fazendo música clássica. Existe violino em praticamente todas as músicas folclóricas pelo mundo. Celta, cigana, judaica, tango, country, mariachi e por aí afora. Eu sempre curti música folk e busquei aprender vários estilos musicais para se tocar no violino. Para você ter idéia, eu toco junto com o Marcio há uns 15 anos, neste intervalo, nós já tivemos grupos de música clássica, 2 mariachis (música mexicana), um grupo de músicas folclóricas (cigana, tango,...), ou seja a gente se amarra tocar o que o povo gosta. Costumamos dizer que temos PhD em Violino de Boteco!





O nosso processo de criação é muito doido. A gente se reúne e começa a falar (e tocar), merda. Aí a gente filtra e fica só com “la creme de la creme de la mérde”. Da quantidade sai a qualidade, somente bobagens fresquinhas são aproveitadas.


GA: Como surgiu a possibilidade de unir humor com música?
Her: A gente toca em orquestra há mais de 20 anos, não que sejamos velhos, mas começamos cedo. Com exceção do Sérgio, que é ator, mas cantou em coro durante muitos anos. Esses ambientes com muita gente descontraída, tende ao humor. É quase como uma sala de aula, a turminha do fundo fica fazendo gracinha para compensar a tensão da concentração. Pois nós éramos da turminha do fundo.


GA: Quais os seus idolos no mundo da música e do humor? O número da quinta sinfonia foi alguma espécie de homenagem a Beethoven?
Her: Na música tenho muitos ídolos! Principalmente os atemporais. Na musica clássica, aqueles que o tempo não consegue apagar suas obras como Bach e Beethoven. Também aqueles que gênios revolucionários modernos que lançaram uma estética que vai ser seguida por muitas décadas como Puccini, Prokofiev e Villa Lobos. Talvez você nunca tenha ouvido Puccini e Prokofiev, mas a escola de composição, que faz trilha de cinema da maioria dos filmes que você assiste é baseada nestes dois caras. E o Villa Lobos é a fonte tanto para a música clássica brasileira como para a popular como Tom Jobim, Chico, Edu Lobo...




Na música Pop, eu gosto muito de Lulu Santos, Nando Reis e Cidade Negra, que também são músicos que não se deixam ficar demodés. Eu tenho a impressão que daqui a 30 anos os velhinhos vão continuar fazendo um som atual, antenado nas melhores estéticas modernas e vendendo muito disco pros nossos filhos e netos.





Quanto a Beethoven, é um dos maiores gênios que a humanidade já produziu. As pessoas merecem conhecê-lo. Imagina você morrer sem ter a oportunidade de ver o mar, ou comer um morango, ou ver um quadro do Klimt. É como ouvir Beethoven. Vale a pena conhecer, nem que seja através das nossas sátiras. A gente fantasia, sacaneia até, e muita gente vai para casa curiosa em saber o quanto a gente mentiu e quanto falou a verdade. E vai pra internet pesquisar e descobre um tesouro enterrado no seu quintal. Eu acho que o Beethoven não deve ligar para as nossas sacanagens, deve estar se divertindo lá onde estiver. Afinal na sua última sinfonia composta ele fez uma declaração de que a alegria é a grande redentora da humanidade.



GA: Para vocês, do Sátira In Concert, o que é ser artista no Brasil?
Her: É maravilhoso trabalhar com o que gosta e morar onde você gosta. Se eu tivesse a opção de escolher moraria no Brasil e seria artista. Talvez vocês não saibam, mas o mundo morre de inveja da gente. Queriam morar aqui, ainda mais no Rio. Queriam viver tocando violão, ou recitando poesia, ou fazendo qualquer arte. A música brasileira lá fora é tão respeitada e consumida quanto o futebol. O dia que nós conseguirmos ter uma industria de entretenimento tão forte como a americana. Nós vamos ver muita gente ficando rica com música e arte. Ser artista no Brasil é ter a vida que todo mundo pediu a Deus. Agora, capitalizar sua arte e ganhar dinheiro é outra história. Há que se aprender a administrar sua carreira e obra. E temos que parar com o complexo de terceiro mundo, esse que acha que só é feliz quem fala com a língua enrolada.

Entrevista com Leo Carnevale, o palhaço Xodó

Estreando nossa coluna fixa de entrevistas, O Guerrilha Aberta entrevistou nada mais, nada menos do que Leo Carnevale, palhaço, ator e diretor, nascido em Petrópolis, mas que com apenas um ano de idade, seus pais se mudavam para o Rio de Janeiro, mais especificadamente no subúrbio de Cascadura, onde o bonde fazia ponto final e vários circos se apresentavam.

GA: Desde quando, você se dedica a atividade artistica? E quanto tempo você se dedica ao universo da palhaçaria?
Leo: Sou artista desde 1987 a 1991, como amador e de 1992 em diante como profissional. Desde de 1999 sou o palhaço Afonso Xodó, ano que vem farei dez anos de palhaçaria.

GA: Durante muito tempo, você percorria as feiras da Glória até catete, de palhaço? Qual o melhor aprendizado que você tirou dessa realização?
Leo: Sim, fiz este percurso por três anos de 2001 a 2003, circulando, conversando e fazendo amigos, de palhaço. É muito engraçado, neste trajeto que ainda hoje faço, mas não de palhaço, existem muitas pessoas que não me conhecem, mas conhecem meu palhaço. São amigas do Xodó, mas não sabem quem é o Leo Carnevale.
Junto a todas as oficinas de palhaço que já fiz, este processo de encontro direto com o público, passeando pelas ruas da Glória, provocou um grande amadurecimento na maneira como meu palhaço se relaciona com as pessoas.

GA: Nesse mês de março, você junto com outros artistas realizaram uma temporada no Largo do Machado. Como você avalia hoje, trabalhar nas pelas praças e ruas?
Leo: A realização do terceiro projeto Boa Praça 2006/07/08 é a prova como é possivel realizar um evento de qualidade nas ruas, com poucos recursos. O Rio de Janeiro é uma cidade privilegiada de sol, de luz, o que chama as pessoas para a rua, para o encontro. Essa terceira ação do projeto Boa Praça, Solos de Quintal, foi justamente isso transformar a Praça do Largo do Machado no quintal de casa, onde brincamos, nos refestelamos e descansamos. Anteriormente foi realizado em 2006, "Os mestres de cerimônia", no seminário de teatro educação do CBTIJ, na Lagoa Rodrigo de Freitas, quando fomos os apresentadores do evento. Em 2007, o espetáculo de variedades "Vem Que Tamú Chegando" que circulou por doze praças de todas as regiões do Rio, com o Prêmio Miriam Muniz de Teatro da FUNARTE. Sinto que cada vez mais as pessoas precisam deste encontro. No solos de Quintal tivemos um público aproximadamente de 1500 pessoas em dois finais de semana (o projeto tinha três finais de semana, mas no segundo choveu), o que dá 375 pessoas por apresentação, ou seja, trabalhar na rua, vale a pena, o público está lá.

GA: Você está construindo um novo espetáculo. Poderia adiantar sobre o que se trata? E quando estréia?
Leo: Sim, estou produzindo um novo espetáculo, mas ainda está no começo do processo criativo. Não tem ainda um nome definitivo, nem data de estréia. Estou agora no processo de gestação, onde começo a reunir material, testar algumas coisas, trocar com pessoas que fazem parte da minha equipe de trabalho, brincando na sala de trabalho, escrevendo, reescrevendo até ficar totalmente tomado pela criação. Meu processo é um pouco assim, vou me imbuindo do que quero falar, pesquisando, juntando idéias, depois na sala de trabalho vou burilando junto a uma equipe de artistas e técnicos, mas ainda está no começo.

GA: E sobre esse seu número o Cristo, você teria alguma coisa para falar sobre ele? Ou algo sobre os cariocas?
Leo: Adoro este numero, pois posso dialogar direto com o espectador, brincar com ele, traze-lo para o jogo, envolve-lo. Não é um número sobre cariocas, é sobre a invenção de 'deuses'. Tem que ser realizado com ajuda de um "homem forte", homem este que inventou Deus para que então Deus inventasse ele, homem. Somos deuses então! Por isso posso atravessar um corda pelo peito deste homem sem feri-lo, sem machuca-lo (Como mostra o video abaixo).



GA: Finalizando, para você, o que é ser artista no Brasil?
Leo: É acreditar que realizar seus sonhos é algo possível. É dialogar com o outro, mostrando seu ponto de vista e escutando o ponto de vista do outro. É imitar a vida e vive-la na arte, é a magia.

Entrevista com Tigrão, o príncipe da brutalidade

Mais conhecido como o “Príncipe da brutalidade”, pela sua força extrema, Tigrão, que recentemente ganhou mais um novo título: “O Terror da Lapa”, dado por Márcio Libar, nas duas últimas edições do Riso de Janeiro. Na realidade é um gaúcho de Porto Alegre, morador da Lapa, chamado Fabrício Dorneles, que há 10 anos atrás, decidiu largar uma carreira promissora na área da computação pelo Circo. É com ele que conversamos a seguir:

Guerrilha Aberta: Quem é Fabrício Dorneles? Como foi trocar computadores por Circo?
Fabrício: Troquei de carreira, pois eu não queria passar a vida dentro de um laboratório, na frente de uma tela de computador. Comecei meu outro caminho, vim para o Rio e fiz Escola de Circo. Nesse meio tempo tomei contato com o palhaço e vi que era aquilo que iria me salvar e dar o foco na minha vida. Comecei a me embrenhar nessa arte, me aproximando de grupos e mestres, como Teatro de Anônimo, Márcio Libar, Sérgio Machado, Palhaço Bicudo, LUME, Leo Bassi, Chacovachi. Foi a minha escola inconstante e informal, em minha opinião a melhor de todas.
No começo fundei o grupo Recital Acrobático, no qual trabalhei por três anos. Logo após comecei uma outra empreitada com o Circo Grog e hoje em dia faço parte do Circo Dux, grupo do qual sou fundador também.

GA: Você trabalha no universo da comédia física? Quando e como você começou a descobrir e praticar esse universo?
Fabrício: Sim, comédia física. Comecei em 2002, em uma oficina de Iniciação com a Ana Elvira Wuo, ex-integrante do LUME.

GA: Você faz parte de um coletivo de artistas, chamado Circo Dux. Como se formou esse coletivo? E hoje, o que ele representa na sua vida?
Fabrício: O Dux formou-se em 2005, nas conversas com o Cláudio Parente, que havia recém chegado da Espanha, onde trabalhou no Circ Cric do Tortell. Eu estava sozinho, meu antigo grupo, o Circo Grog havia se desfeito. A gente queria muito conseguir viabilizar o nosso trabalho de forma autônoma e independente. Daí, fomos contratados para uma apresentação no Festival de Inverno do Sesc e montamos um espetáculo em dois meses: eu, Cláudio e Dani de Castro. Foi um sucesso! Logo depois chegou o Lucas, meu grande parceiro, a Dani ficou grávida e montamos o "Dux+3", que é o nosso espetáculo atual, que ganhamos o prêmio Carequinha e apresentamos em vários festivais.
O Dux é o meu negócio, e nele é que eu mais concentro as minhas forças e o meu empenho. Não é nada fácil, mesmo sendo apenas três no grupo atualmente. Toda hora temos que lidar com as individualidades artísticas de cada um, os anseios, os desejos, as agendas, mas no final de tudo, para mim, é melhor coisa, não queria estar em outro lugar.

GA: Como surgiu o seu nome: Príncipe da brutalidade? E como você está se relacionando com seu mais novo título: O terror da Lapa? Como você se relaciona com o bairro?
Fabrício: O nome Príncipe da Brutalidade foi idéia do Sérgio Machado, meu grande amigo e nosso diretor, que por sinal criou todo o texto do número que é ótimo. Desde que cheguei no Rio, há dez anos, morei em Santa Teresa. Faz dois anos que moro na lapa. E adoro, adoro a Lapa. Aprendi a gostar daqui, me divirto, caminhando a tarde pela lapa, vendo os tipos que só tem aqui. A Lapa é como se fosse minha cidade, aqui saio à noite, trabalho, namoro e estudo.

GA: Como você se sente quando está em cena? Pergunto isso, pois quando você faz o número da corrente e da lista telefônica, em que você parte ambas ao meio, você fica todo vermelho e as pessoas comentam.
Fabrício: Palhaço, apesar de achar muita responsabilidade, de dizer que sou palhaço. Já ouvi e acho certo, "só existe um tipo de palhaço. O palhaço bom, se não é palhaço, é outra coisa". Um dia eu chego lá. Não uso nariz, não consigo. Na verdade descobri essa coisa do tigrão que funciona em mim, mais ou menos como alguém em um mato fechado, tentando achar uma saída. Achei uma trilha... é o "estado", tem funcionado cada vez mais, me divirto fazendo, me divirto buscando novos números truques, novas piadas.

GA: Você se considera um homem forte?
Fabrício: Tenho alguma força sim, sou portô de acrobacia e meu trabalho exige isso. Agora em um sentido mais "subjetivo", acho que também sou forte, ser artista no Brasil exige isso também.

GA: Na sua opinião, o que é ser artista no Brasil?
Fabrício: Eu acho que se não for perseverante, não rola. Se não tiver jogo de cintura, não rola também, mas acho que não é um privilégio só do Brasil e nem do meio artístico. No mundo você tem algumas exceções que são seguras e confortáveis, como algum filho de milionário. Alguns países do primeiro mundo pode dar sorte de sair de uma multinacional e conseguir um emprego bem remunerado e seguro, mas fora isso, é perseverança e jogo de cintura!
Argentina, Colômbia, Brasil, México, Portugal até Espanha. Só consegue quem tem algum talento e aprende as regras do jogo. É claro que quando se é artista, você está lidando com algo que não é considerado de primeira necessidade, o que torna as coisas um pouco mais difíceis. Daí temos que aprender a lidar com isso, mas acho que cada área tem a sua dificuldade também... Ossos do ofício!

Entrevista com a dramaturga e diretora Larissa Câmara

Se um é bom, dois é demais e três é excepcional. Estrear, o terceiro número de uma revista eletrônica, sem patrocinador, com três entrevistas de diferentes artistas é algo excepcional. Se não, cabalistico. 3 e 3. Não esperem isso sempre! Até porquê essa terceira entrevista é sobre uma artista incomum, que descobri assistindo um Stand Up Comedy e fui descobri um verdadeiro mundo por trás dela. Com vocês, a dramaturga e diretora, graduada em Direção Teatral, pela UFRJ; e em Interpretação pela UNIRIO: Larissa Câmara!

Guerrilha Aberta: Quando surgiu a vontade de se dedicar ao mundo da arte? E como que você começou?
Larissa: Não sei dizer ao certo, sempre gostei de escrever. Fiz um curso de teatro quando tinha 16 anos e participei de um grupo teatral chamado República Cênica, em Campo Grande-MS. Quando fui fazer vestibular já tinha decidido que queria estudar Artes Cênicas e prestei vestibular no Rio de Janeiro.

GA: Você está com um espetáculo em cartaz, chamado Ela, onde você escreve e dirige. Do que se trata o espetáculo? É sua primeira realização como diretora e escritora?
Larissa: “Ela” é 1ª. parte da Trilogia da Vingança. A Trama é livremente inspirada no filme “Psicose”, de Alfred Hitchcock, mais precisamente no personagem Norman Bates. No filme de Hitchcock, Norman se veste de mulher (cross-dresser). Na peça “Ela”, coloco a personagem, interpretada pelo ator Marcus Fritsch, vestida de mulher contando, a partir de seus lapsos de memória, a história da própria mãe. O espetáculo acontece na cozinha, com uma visão otimista da vida, apesar dos sofrimentos, “Ela” utiliza legumes, utensílios domésticos, facas e xícaras para dar vida a sua história de perdas, internações em hospícios e amor.
Não é a minha primeira realização como diretora e dramaturga. Já escrevi e encenei outras peças, entre elas destaco “A Dama do Fashion Week” que recebeu prêmio de melhor figurino no Festival Internacional de Teatro Riocenacontemporânea em 2005.

GA: Você se dedica ao mundo da comédia, realizando um stand up comedy em eventos como Riso de Janeiro e Comédia de Salto. Como é para você trabalhar no universo da comédia? O que mais te fascina nesse universo?
Larissa: Sou comediante, logo me sinto muito a vontade dentro do universo da comédia. Na UNIRIO, um dos meus professores disse que eu tinha habilidade natural para a comédia. Tenho facilidade e muito prazer em escrever textos cômicos, trabalhei como roteirista cômica para uma empresa sediada em Madri e escrevi pilotos de humor para a Rádio Tupi.
O que mais me agrada no stand-up, além do formato que consiste em atuar em pé diante da platéia apenas com um microfone na mão e um texto na cabeça, é a resposta imediata do público.
Também já fui convidada dos grupos de stand-up comedy: Comédia em Pé e Tarja Branca (onde me apresentarei quinzenalmente as 5as. feiras). Um dos melhores elogios que ouvi, após uma apresentação de stand-up, foi que eu parecia o Woody Allen.

GA: Finalizando, na sua opinião o que é ser artista no Brasil?
Larissa: Estou descobrindo, infelizmente ainda não tentei em outro país, mas acredito que é ter uma necessidade constante de melhoria e transformação não apenas das próprias condições de trabalho, mas do todo. Creio que é a vontade de transformar que faz um artista. Mas, fico realmente muito incomodada com a falta de profissionalismo e organização que dificulta o resultado final. A arte não depende apenas de feeling e criatividade, mas também de técnica e disciplina. Enfim creio que a dificuldade não é exclusividade nossa, elas existem em todas as áreas.

Serviço da peça ELA:
Espaço Café Cultural
Rua São Clemente, 409 – Botafogo
Tels: (21)2526-2666 / (21) 2526-2666
Temporada: 8 a 30 de março de 2008. ÚLTIMO FIM DE SEMANA!
Sábado 21h e Domingo 21h
Ingressos R$ 10
50% de desconto para estudantes e idosos.

Riso de Janeiro realiza última apresentação desta temporada

A noite de humor, Riso de Janeiro, que reúne toda terça-feira às 21 horas, humoristas de diversas artes do humor e da comédia irá realizar nesta terça (18/03), sua última apresentação dessa temporada. Com a participação do Rey Biannchi, Cláudio Torres Gonzaga, Os Fulanos, Fabricio Dorneles e Comida dos Astros (direto de São Paulo) na Parada da Lapa, Fundição Progresso.

Tanta gente engraçada reunida para celebrar e finalizar mais uma etapa do Riso de Janeiro. Já que na edição passada, Nizo Neto anunciou que o evento vai dar uma parada para reformulações e ainda não se sabe quando volta. Sabe-se que volta com visual mais requintado, trazendo um espaço mais espetacular. Quero só ver...Felicidade de pobre dura pouco, é fogo!


Quando começou o Riso de Janeiro?

A noite de humor, batizada pelo nome de Riso de Janeiro, nasceu em janeiro de 2007, quando Márcio Libar (Bob Marley) e Nizo Neto (filho do Chico Anísio) se encontraram e começaram a realizar em curta temporada no Centro Cultural Carioca - CCC. A idéia era reunir humoristas e formar uma espécie de reunião do humor no Rio de Janeiro. Esse ano, com mais sucesso e mais público, o evento ficou até mais tempo que ano passado (de janeiro a março) e além disso se expandiu, trazendo palhaços, artistas da comédia física e até excentricos musicais, como Rey Biannchi e Sátira In Concert.

Enquanto, o Riso de Janeiro não volta, fiquemos com o video de mágica do Nizo Neto, em uma das apresentações do Riso de Janeiro:

Serviço:
PARADA DA LAPA
Local: Rua dos Arcos s/n (FUNDIÇÃO PROGRESSO)
Data: 18/03 às 21h
Ingresso: R$ 15,00
(R$ 10, deixando nome nos comentários)

http://risodejaneiro.blog.terra.com.br

Márcio Libar, o Bob Marley carioca

Toda terça-feira, às 21 horas da noite vai dando uma vontade de de rir e rir muito. A Parada da Lapa, choperia da Fundição Progresso está realizando desde o início do ano, o evento Riso de Janeiro, apresentado por Márcio Libar (o Bob daí de baixo) e Nizo Netto, oum dos filhos de Chico Anysio, onde traz toda semana, um grupo de humoristas, comediantes e palhaços.

Nessa próxima terça (04/03), entre as atrações estão: Henrique Federowicz, Leo Carnevale (Palhaço Afonso Xodó), André Silveira (Tarja Branca), Fabricio Dornelles (Tigrão) e Leandro Hassum (Zorra Total). A casa abre às 18h, com músicas do Dj. Luiz Nicolau. A entrada é R$15, mas quem quiser entrar na lista amiga, é só deixar o nome nos comentários, que só paga R$10.

SERVIÇO:
Local: PARADA DA LAPA
Rua dos Arcos s/n (FUNDIÇÃO PROGRESSO)
Data: Toda terça-feira, a partir das 21h
Ingressos: 15 reais
(10 reais, deixando nome nos comentários)

Acesse:
http://risodejaneiro.blog.terra.com.br

Orquesta itinerante de rua sobre pernas de pau realiza temporada no Rio, no mês de março

O projeto Gigantes pela própria natureza realiza estréia mundial no próximo dia 01 de março, às 17h na Praça da Harmonia, na Gamboa. O projeto criado e coordenado pela Cia Brasileira de Mystérios e Novidades traz uma orquestra itinerante de rua sobre pernas de pau, onde desde outubro, jovens de 12 a 27 anos receberam um conjunto de oficinas, aulas práticas e teóricas e agora estão prontos para realizar sua temporada no Rio de Janeiro, passando por diversos pontos da cidade.

Mosaico Cultural, o espaço cultural da Lapa

Em funcionamente, desde agosto de 2007, o Mosaico Cultural, espaço destinado a congregar diversas artes está abrindo diversas inscrições para oficinas, nesse mês de março. O espaço é coordenado e criado por Leo Carnevale.

Conheça na próxima página, o projeto realizado pela ONG Rede Jovem, que está concorrendo um prêmio internacional. Além de apresentações gratuitas sobre cultura negra no SESC Madureira e dois concursos que o Guerrilha Aberta está realizando.